Serendipity est la cinquième sortie du groupe bordelais Seeds of Mary, qui nous habitue à des LP et EP réguliers et de qualité. L’album s’ouvre sur le cri de The Atheist annonçant un album metal qui s’avère plutôt puiser dans le gros rock d’influences 90s, comme Alice in Chains, avec un côté grunge et metal. Les titres laissent apparaître la touche Seeds of Mary notamment avec Bleed Me Dry, percutant et entraînant. On remarque également Reinventing You, qui marque la fin d’une première moitié de l’album incisive, ample et voluptueuse.
La deuxième partie débute avec Chameleonic, qui donne un second souffle, comme un nouveau départ. celui de la face B de l’album, généreux et profond. On note Sanity is Statistical, aux riffs d’une redoutable efficacité qui me rappellent Rob Zombie avec une influence punk, une alchimie d’influences US et UK !
Le titre de l’album semble faire écho à la direction que voulait prendre le groupe lors de leurs précédentes sorties, étant lui même objet de sérendipité ? Seeds of Mary propose un album mature, cohérent, avec une belle production qui ne laisse pas de place au doute. C’est un groupe qui affirme son style et qui le fait bien.

Quentin Lefèvre

Vidéo officielle du titre Rewind Me :

Quentin Lefèvre

À la fois musicien, professeur de batterie et musicologue, j’ai la chance d’enregistrer et de tourner avec la formation Remains of Morpheus (KLONOSPHERE). Explorant la musique sous toutes ses coutures, je me plaît à aller exhumer l’essence d’une création, pour la placer dans le contexte d’un album.

The Last Sunday of Andy Glane raconte, d’heure en heure, le dernier jour d’un jeune homme seul, qui ne trouve pas sa place dans ce monde. A travers Andy, c’est toute une génération Y en mal de repères qui se raconte, cherchant son chemin de chanson en chanson, du bar au métro.

C’est avec cette introduction de Moondays que je me plonge dans cet univers rappelant les 70s mais pourtant très actuel. Dès les premières secondes, on sait que l’on a à faire à une production de haut-vol. Les mélodies entêtantes aux textes soignés du chant de Yohan Lévy ont toutes pour écrin un accompagnement aux arrangements somptueux (composés par Yohan, Luc Montaudon à la guitare et Louis Machto aux claviers).

De premier abord on ressent les influences de Simon and Garfunkel, vite rattrapées par John Lennon, une folk hybride britannico-américaine puisée entre la fin des 60s et le début des 70s. L’album défile, dévoilant des paysages sonores sublimes et immersifs rappelant les Pink Floyd (j’ai cru entendre un camion passer dans la rue mais c’était bien dans le casque !), ainsi qu’un aspect pop-rock qui se développe au fil des titres, à la descente aux enfers d’Andy. Le cinématique Cherry Park se dévoile dans un style plus contemporain jusqu’au titre Andy’s Lounge, qui marque la face B de cet album, plus rock et plus ample avec des influences plutôt 90s comme Radiohead (première période). On ne peut passer à côté de The Bottled Rabbit et ses cuivres sublimes. Poppy Drive. Le titre phare de l’album pour moi, très intense et profond, une tension presque palpable qui augmente tout au long du titre, qui gagne en puissance jusqu’au climax qui marque le point culminant de l’album.

Moondays place la barre très haut avec ce premier album aux influences telles que Simon and Garfunkel, Elliot Smith, ou encore Lennon. Le trio n’a fait aucune concession pour arriver au résultat voulu, l’orchestration est sans fautes et la production à la hauteur des plus grands.

Quentin Lefèvre

Quentin Lefèvre

À la fois musicien, professeur de batterie et musicologue, j’ai la chance d’enregistrer et de tourner avec la formation Remains of Morpheus (KLONOSPHERE). Explorant la musique sous toutes ses coutures, je me plaît à aller exhumer l’essence d’une création, pour la placer dans le contexte d’un album.

Patrón est le nouveau projet de Lo (aka Patrón) frontman du groupe Loading Data. L’album éponyme a été produit par Alain Johannes (Queens of the stone age, Them Crooked Vultures, Eleven, Chris Cornell Band) et se trouve aussi être le dernier album jamais enregistré dans son mythique studio 11AD, à Los Angeles.

« Loading Data faisait une pause. J’avais des maquettes mais je ne savais pas ce que je voulais en faire. J’ai fini par les faire écouter à quelques amis. Ca leur a plu et il sont venus jouer sur l’album » : Joey Castillo (Danzig, Queens of the stone age, The Bronx…), Nick Oliveri (Kyuss, Queens of the stone age, Mondo Generator), Barrett Martin (Mad Season, Screaming trees, Tuatara…), Aurélien Barbolosi (Aston Villa), Monique St Walker (Blackbird Days) et d’autres encore…

« Patrón, c’est une digestion d’influences, une entité nouvelle, sorte de créature de Frankenstein, empruntant aussi bien au stoner rock, au rock’n’roll des fifties, à la Rat Pack qu’à la pop des années 80. »

Le premier single sorti « Room with a view » nous écrase sous un rock langoureux et hyptnotique. Tel un Barry White rock au milieu d’un motel avec un jerrican d’essence, la voix suave du Patrón fascine.

Ce premier album pose la question de la direction que prendra Patrón pour la suite, un souffle introspectif prendra t-il le dessus sur un rock caricatural « bad-boy perfecto » ? Est-ce là un après-Loading Data ou le départ d’un projet nouveau ?

L’ensemble est charnel, comme la bande son d’ébats en plein désert. Sons de guitares fuzz, batterie rock, basse profonde, casting sans fautes, toute la production est réussie et fait écho au rock stoner des années 90.

Quentin Lefèvre

Pré-commander l’album : https://orcd.co/patron

Clip du titre Room with a view :

Quentin Lefèvre

À la fois musicien, professeur de batterie et musicologue, j’ai la chance d’enregistrer et de tourner avec la formation Remains of Morpheus (KLONOSPHERE). Explorant la musique sous toutes ses coutures, je me plaît à aller exhumer l’essence d’une création, pour la placer dans le contexte d’un album.

Revendiquant des influences post rock, metal progressif et rock alternatif, le quatuor parisien sort son deuxième album The Only Way To Reach The Surface chez le label KLONOSPHERE.

Le premier mot qui me vient à l’écoute de l’album est contraste, la formation nous emmène d’un post rock contemplatif au metal hurlé, puis au jazz, pour revenir au rock alternatif. L’opus n’y perd en rien de sa cohérence, d’autant que le son est profond et ample grâce à une production réussie.

Les sons de guitares et de synthétiseurs de Florent Gerbault et Manuel Dufour font corps non sans rappeler parfois la formation américaine Thursday (période A city by the light divided). Le basse batterie est de Romain Duquesne (crédité également aux samples) et Thibaut Faucher.

Le contraste oppose des influences metal de The Ocean Collective ou de The Dilinger Escape Plan à un rock alternatif voir progressif qui rappelle CHON.

L’ensemble nous livre un album riche et cohérent, contemplatif et plein d’adrénaline, rock et progressif. D’un style singulier qui leur va bien, et qui inscrit la formation parisienne dans la liste des jeunes groupes à découvrir.

Quentin Lefèvre

Vidéo officielle du titre The Unstoppable :

Quentin Lefèvre

À la fois musicien, professeur de batterie et musicologue, j’ai la chance d’enregistrer et de tourner avec la formation Remains of Morpheus (KLONOSPHERE). Explorant la musique sous toutes ses coutures, je me plaît à aller exhumer l’essence d’une création, pour la placer dans le contexte d’un album.

Un gardien de musée voue un culte obsessionnel à un portrait. Museum, premier EP de la formation Mirage, originaire de Tours, se présente comme le recueil des côtés les plus sombres de notre psyché.

La musique de la formation se définit par un rock progressif, soumis à de multiples influences comme la folk de Someone ou la pop de Grey Birds. Il en résulte une couleur particulière, en synergie avec les voix de Juliette Cogneau (flûte traversière également) et de Emma Guibert (violon). L’extended play s’ouvre sur l’introspectif Someone, avec ses lignes de chants à la O’Riordan. Le paradoxal Grey Birds illustre de manière lumineuse un acte désespéré. La suite Museum part I & II reflète la dualité de ce gardien flirtant entre admiration et obsession. Dévoilant tour à tour une musique folk, puis rock teintée de riffs à la Leprous. La rythmique incisive de Flavien et Clément Lebraud (guitare et batterie) contrastant avec les nappes de claviers de Drayen Labie (basse également). Mania se distingue par un refrain tribal qui fait écho au thème violent de l’indifférence. 

Mirage se place dans le courant rock progressif, dans la lignée de groupes comme Anathema ou Agent Fresco. Une identité forte se dégage de ce premier EP, dévoilant des compositions aux influences riches, qui marque un début prometteur pour la formation tourangelle.

Quentin Lefèvre

EP :
https://www.youtube.com/watch?v=-LWtC2dtu7M&list=PLqfEnCTz5q5bVBtpT4LTI6t3wYk-dTVcu&fbclid=IwAR2QaWaUu_WDwKE0gK0HOJWLttJwefvJ008Ca88jzpvtysEM_B05votg9fo

Clip de Mania :
https://www.youtube.com/watch?v=rJmKOc37V9k&list=PLqfEnCTz5q5bVBtpT4LTI6t3wYk-dTVcu&index=5

Quentin Lefèvre

À la fois musicien, professeur de batterie et musicologue, j’ai la chance d’enregistrer et de tourner avec la formation Remains of Morpheus (KLONOSPHERE). Explorant la musique sous toutes ses coutures, je me plaît à aller exhumer l’essence d’une création, pour la placer dans le contexte d’un album.

Des explorateurs du temps et de l’espace s’échouent sur une planète inconnue. Ils prennent un petit-déjeuner qui a des allures de l’heure du thé de Lewis Carroll. Le temps de réparer leur vaisseau interstellaire, ils décident de trouver de l’aide. Le nom de l’aventure ? Breakfast on a Hill.

Bewilders est un groupe originaire d’Angoulême, comme on pourrait le supposer en voyant cette pochette aux allures de bande-dessinée par Guillaume Bruyère (alias Ptooleme). Ce premier album a notamment été enregistré par Michel Toledo (Lysistrata, Gâtechien…). La première impression qui s’en dégage, c’est ce mixage qui nous fait penser aux groupes des 70s. L’album s’ouvre sur Breakfast on a Hill qui tour à tour nous emmène vers un rock à la Steely Dan, des riffs à la Deep Purple, le tout avec un magma psychédélique dû à l’enregistrement en prises live (qui fait impression ici). Les titres s’enchaînent, efficaces, entraînants, avec des rythmiques hantées (Forced Landing). Into the Wilderness revet des influences de Genesis, tandis que Julian Bridge traduit un amour pour la musique des Beatles. L’album se clôt sur Limitless Dreamer, véritable pépite psychédélique à l’image des formations nommées plus avant. Du choix du son de clavier de Bastien Rothon (également chanteur), au gimmick de guitare de Maxime Provencal en passant par le basse batterie de Quentin Decourt et Lorenzo Rotini, tout y est, pour un titre intemporel qui semble tout droit sorti de la B.O. d’un film californien des 70s.

La formation se place dans la lignée de formations comme Steely Dan, Yes, Genesis ou encore les Beatles. Ce premier album est une réussite qui s’illustre par un rock psychédélique authentique, sans basculer dans les clichés.

Quentin Lefèvre

L’album :

Quentin Lefèvre

À la fois musicien, professeur de batterie et musicologue, j’ai la chance d’enregistrer et de tourner avec la formation Remains of Morpheus (KLONOSPHERE). Explorant la musique sous toutes ses coutures, je me plaît à aller exhumer l’essence d’une création, pour la placer dans le contexte d’un album.

In Cauda Venenum, treizième album de la formation suédoise Opeth, ouvre un nouveau chapitre dans son histoire, puisqu’il s’agit du premier album chanté en suédois (accompagné d’une seconde version anglophone). Travis Smith signe la pochette, comme pour les précédents opus, qui a des allures de manoir britannique du XIXe siècle, dans lequel on peut imaginer qu’une sombre soirée va se dérouler.

Le premier titre de l’album, aux influences de synthwave, nous plonge dans une ambiance mystique. L‘explosion de Svekets Prins nous affirme qu’il s’agit bien là, d’Opeth, qui s’affirme ici dans un style rock progressif, avec des influences metal et de musique folk. La construction de cet album semble faire écho à la pochette, puisque j’ai l’impression de passer d’une pièce à l’autre, visitant des décors uniques et différents à chaque seuil. Le troisième titre Heart in Hand s’ouvre sur une rythmique metal syncopée, que Mikael Åkerfeldt (leader, chanteur, guitariste, compositeur et parolierdu groupe) fait oublier par des lignes de chants envoûtantes et aériennes. Lovelorn Crime, ballade rock, illustre d’une calme violence les sombres pensées d’un amant hanté. Charlatan, des riffs metal progressif qui font penser à Meshuggah.The Garroter revêt des influences jazz déjà présentes sur leur album Heritage. Vient ensuite Continuum, titre rock/metal progressif, à l’image des formations américaines Styx ou Transatlantic. L’impression qui me vient à la fin de l’écoute, est une pièce de théâtre qui s’achève, nous laissant assis, à retrouver nos esprits après plusieurs scènes colorées imbriquées dans de sombres actes, au milieu de décors rappelant le siècle dernier, à l’image du magnifique clip d’animation réalisé pour le titre Svekets Prins.

Opeth nous livre un album massif aux multiples influences telles que Rush, King Crimson ou encore Marillion. Cet album semble être un hommage aux influences du groupe. L’identité sonore de la formation est forte et singulière, ce qui en fait une couleur reconnaissable dans l’immense tableau de la musique progressive rock/metal.

Quentin Lefèvre

Vidéo officielle du titre Svekets Prins :
https://www.youtube.com/watch?v=QcMdA7Xs8jE

Album : Album : https://music.youtube.com/playlist?list=OLAK5uy_lxH8xd-GASQRRxxDzDfohURIrvdu2eAjU

Quentin Lefèvre

À la fois musicien, professeur de batterie et musicologue, j’ai la chance d’enregistrer et de tourner avec la formation Remains of Morpheus (KLONOSPHERE). Explorant la musique sous toutes ses coutures, je me plaît à aller exhumer l’essence d’une création, pour la placer dans le contexte d’un album.

Imaginez la rencontre du romantisme avec le rock progressif des seventies, dans un écrin de douce folie, teinté d’une poésie d’influence victorienne.

Iamthemorning est composé du noyau permanent de Marjana Semkina (chant) et de Gleb Kolyadin (piano, claviers), la formation originaire de Saint-Pétersbourg  se produit quelques fois en duo, mais pour la plupart de leurs représentations ils sont accompagnés, dans diverses combinaisons, d’une guitare acoustique, d’une basse, d’une batterie, d’un quatuor à cordes et nombre d’instruments d’orchestre, y compris la harpe.

The Bell quatrième album du groupe, présente une pochette (oeuvre de Constantine Nagishkin) sur laquelle nous découvrons un cimetière victorien, au centre duquel trône une pierre tombale ornée d’une clochette reliée à un cable. Marjana explique l’illustration dans une interview pour Kscope : « Sur la couverture c’est une cloche de sécurité ; c’est une idée du XIXe siècle née de la peur obsessionnelle des gens d’être enterrés vivants, provoquée par la presse sur des cas supposés d’enterrements prématurés à travers le pays, et le fait qu’Edgar Allan Poe ait effrayé de nombreux lecteurs en décrivant vivement le phénomène de l’enterrement prématuré dans ses nouvelles. […] L’une des inventions pour échapper à une telle épreuve était un soi-disant« cercueil de sécurité », qui existait dans de nombreuses configurations différentes. Y compris celle qui avait une cloche attachée à la pierre tombale, reliant avec un fil le cercueil pour que la personne se réveillant et réalisant qu’elle ait été enterrée vivante, pourrait sonner pour signaler aux gens ce qu’il s’est passé. »

«Bien que l’idée soit un peu morbide, je pense qu’il y a de l’espoir dans l’illustration ; peu importe votre état d’esprit ou la situation désespérée dans laquelle vous êtes, vous pouvez toujours demander de l’aide, mais plus encore si vous en avez besoin »

Dès les premières secondes une harpe et la voix de Marjana nous entraînent dans un univers envoûtant, d’une ambiance particulière, comme un clair-obscur d’espérance et d’incertitude. A l’écoute des textes, vient la question du thème de l’album. J’y retrouve, d’une façon moderne avec de multiples influences, un cycle de chansons, comme le fûrent les lieder et les mélodies au XIXe siècle.

« La cloche est divisée en deux parties mais chaque chanson est une histoire à part entière, toutes alimentées par la cruauté humaine et la douleur qui en résulte. La cruauté est le thème central de l’album ; ainsi que toutes les différentes façons d’y répondre et d’y faire face. Cet album comporte plusieurs profondeurs et constitue, à bien des égards, un voyage vers l’intérieur, nous entraînant dans l’esprit d’une personne souffrant de violence, de négligence ou d’hostilité ouverte de la société, ou d’une personne en particulier. […]Esthétiquement, il est basé sur des thèmes empruntés à l’art et à la culture de l’Angleterre victorienne, de façon à attirer notre attention sur le fait que, fondamentalement, l’humanité ne fait pas beaucoup de progrès en termes de maturité émotionnelle. »

Les titres passent , le bruit d’une clochette, à la fin de Black and Blue me tire de cette ténébreuse poésie. Nous enchaînons sur Six Feet, avec ce climat symphonique qui nous emporte vers une seconde partie de l’album où le piano de Gleb sera plus en avant, nous offrant un ambiance plus intimiste, avec des mélodies aux arrangements toujours plus somptueux.

Après leur précédent opus studio Lighthouse, primé album de l’année aux prog awards en 2016, le duo fusionnel a mis la barre très haut, et vient de la franchir avec aisance. Cet album magnifique, virtuose sans être démonstratif, d’une cohérence sans failles, nous retient du début à la fin dans un maelström de néo-romantisme, de folk anglais et de musique progressive.

Quentin Lefèvre

Quentin Lefèvre

À la fois musicien, professeur de batterie et musicologue, j’ai la chance d’enregistrer et de tourner avec la formation Remains of Morpheus (KLONOSPHERE). Explorant la musique sous toutes ses coutures, je me plaît à aller exhumer l’essence d’une création, pour la placer dans le contexte d’un album.

Le Grand Voyage, dixième opus de Klone, marque l’entrée du groupe chez le label anglais Kscope, aux côtés de formations comme Steven Wilson, Katatonia et Anathema. Le thème de l’album est-il en lien avec le chemin parcouru par la formation pictavienne pour se placer aux côtés de grands noms du rock progressif ? Ou est-ce une itinérance vers une profonde authenticité ?

L’album s’ouvre au milieu d’un orage sous lequel on devine un paysage vaste. On y sent l’air lourd, puis les premières notes à la guitare nous happent, nous emportant dans un flot inexorable, mais fluide. Le décor est planté, large et panoramique. Nous voici au départ de ce grand voyage, pendant lequel la voix de Yann Ligner nous en dévoile la nature introspective, mais aussi son aspiration à la plénitude. Les textes nous font avancer aux côtés d’une présence ambivalente, un être ou une pensée ? Un alter ego ou le terme du voyage ? Une amante défunte ou en fuite avec le personnage du chanteur ? Ou la personnalisation d’une dépression ? L’album s’ouvre sur les hypnotisants Yonder, Breach, Sealed et Indelible (à la fin duquel Matthieu Metzger nous régale par son intervention au saxophone, je glisse ici qu’il est également crédité des samples sur l’album). Keystone vient ensuite, plus sauvage et dont le thème aux cordes n’est pas sans nous rappeler Sleep Together de Porcupine Tree. S’en suit Hidden Passenger jusqu’au massif The Great Oblivion où Klone nous laisse entendre ces riffs dont ils ont le secret et qui font leur signature (albums Black Days et The Dreamer Hideway). Cependant il est frustrant à l’arrivée d’un titre comme celui-ci, de ne pas entendre ce gimmick de guitare trancher plus aisément cette masse anesthésiante et confortable que sont l’ensemble des guitares de Guillaume Bernard et Aldrick Guadagnino avec la basse de Jean-Étienne Maillard et la batterie sincère et musicale de Morgan Berthet. Sad and Slow nous replonge dans une léthargie semblable à celle du départ, pour nous emmener au bout du voyage avec Silver gate dont le thème final conclut avec brio un album résolument moderne et mature, qui nous laisse dans une prairie, bien loin de l’orage.

Avec Le Grand Voyage, Klone vient de franchir la porte ouverte avec leur dernier album amplifié Here Comes the Sun, je ne pense pas qu’on puisse parler ici d’un aboutissement, mais d’un commencement, car cet album, plus spontané et sauvage que son prédécesseur électrique, nous laisse entrevoir l’essence prometteuse et juste, du chemin que pourrait prendre le groupe pour ses prochaines compositions. C’est une entrée reussie et méritée chez le label Kscope que vient d’accomplir Klone en nous offrant cet album grandiose.

Quentin Lefèvre

Quentin Lefèvre

À la fois musicien, professeur de batterie et musicologue, j’ai la chance d’enregistrer et de tourner avec la formation Remains of Morpheus (KLONOSPHERE). Explorant la musique sous toutes ses coutures, je me plaît à aller exhumer l’essence d’une création, pour la placer dans le contexte d’un album.