Le Motocultor Across Europe Tour 2026 reposait sur les deux têtes d’affiche que sont Nanowar Of Steel (Italie) et Uuhai (Mongolie), autour desquelles divers groupes orbitaient en se relayant selon les dates : Lone Survivors (France), Cold Snap (Croatie), Morphium (Espagne), Defecto (Danemark), Deus Ex Machina (Singapour), Vaughan (France-Australie) et Lady Ahnabel (France). Lors de son passage à Limoges, au sein de l’emblématique centre culturel John Lennon, cinq groupes étaient à l’affiche.

Deus Ex Machina ouvrit les festivités avec brio. Le quintet singapourien s’attira d’emblée la sympathie du public, par son jeu incisif, inscrit dans une mouvance oscillant entre thrash metal et death metal, mais aussi par l’attitude chaleureuse de ses musiciens. Les espagnols de Morphium prirent ensuite le relais. Ils maintinrent la pression tout en changeant de registre, officiant alors dans un style mêlant metalcore et death metal, saupoudré d’une pointe de metal gothique. Ce mélange assez détonnant et énergique séduisit les spectateurs qui se faisaient de plus en plus nombreux dans la salle.

C’est donc dans une salle chauffée à blanc que les parisiens de Lone Survivors montèrent sur scène. Or, bien que les musiciens se donnèrent à fond et multiplient les interactions avec le public via des jeux de regards qui traduisirent à merveille leur plaisir de jouer, leur metalcore ne me toucha guère. Mais il est vrai que ce genre musical est loin d’avoir mes faveurs. L’ambiance fut toutefois maintenue et c’est une atmosphère surchauffée que les mongoles d’Uuhai déchaînèrent les passions : voix gutturales et puissantes, instruments traditionnels et riffs puissants constituent la signature désormais bien reconnaissable de leur folk metal. Un pur moment de plaisir qui mit tout le monde d’accord, avant l’entrée des italiens de Nanowar Of Steel, seconde tête d’affiche de la soirée. Les spectateurs, massivement tassés contre le bord de scène, jubilaient de plaisir devant leur heavy metal parodique teinté d’humour, tout en étant musicalement conforme aux exigences du genre.

Une fois de plus, nous avons donc vécu une excellente soirée de concerts, et nous en profitons pour remercier toute l’équipe Execution Management pour la qualité de son travail et l’excellence de son accueil.

Pascal Druel

PASCAL DRUEL

Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure Louis Lumière, amoureux d’images et photographe au quotidien, j’explore depuis plus de 30 ans la photographie sous diverses formes (prise de vue, développement et tirage argentique, contrôle qualité, repique, traitement et retouche numérique, graphiste, prise de vue, formateur, photographe indépendant). En outre, je collabore occasionnellement avec Chasseur d’Images (magazine pour lequel j’ai été rédacteur pendant une douzaine d’années), signe des ouvrages (publiés aux Editions Eyrolles), réalise de multiples prestations photographiques (books, reportages, mariages) et couvre en images de nombreux festivals et concerts (150 à 200 scènes par an).

www.pascaldruel.fr

Arrivé sur place près d’une heure avant l’ouverture des portes prévue à 18h30, alors que la file d’attente s’étire déjà sur plusieurs dizaines de mètres devant le Rocher de Palmer, je retrouve d’emblée quelques confrères. Nous entrons ensemble dans le hall et nous nous présentons à l’accueil afin de retirer notre sacro-sainte accréditation photo. Quelques minutes plus tard, nous sommes dans l’étroit pit photo, aussitôt rejoints par quelques autres photographes.

Après une brève attente, les lumières s’éteignent et les musiciens de Kassogtha entrent en scène. D’emblée, l’entité musicale suisse (qui emprunte son nom à l’une des divinités féminines du Mythe de Cthulhu fondé par l’illustre écrivain H.P. Lovecraft et qui, selon certaines sources, serait même la sœur du grand Cthulhu) annonce la couleur : Stephany Hugnin, chanteuse-growleuse du groupe, s’impose instantanément au public. En perpétuel mouvement et en première ligne sur scène, elle mène avec brio le groupe. Les morceaux, dynamiques, rythmés et bien composés de ce quintet, actif depuis 2018 et devenu rapidement un véritable émissaire du death metal mélodique, s’enchaînent sans le moindre temps mort. Bien plus qu’une simple « première partie », Kassogtha est pour moi l’une des belles découvertes musicales de ces dernières semaines. Mais quel dommage que les éclairages de scène, de faible qualité visuelle, ne lui rendent pas meilleur hommage, d’autant que le set du groupe est par ailleurs remarquable.

Il s’ensuit une première pause à l’un des bars du Rocher de Palmer, avant de reprendre le chemin du pit photo pour couvrir le passage de Veil Of Maya. Le changement de ton s’effectue donc sans transition puisque le quatuor américain officie dans un registre mêlant deathcore et metalcore. De prime abord, le public semble nettement plus conquis que moi par les compositions du groupe. Pour autant, il émane de ses musiciens débordant d’énergie un gros capital sympathie qui fait que je finis par me laisser peu à peu séduire, même si je ne retiens finalement de leur concert qu’un bon souvenir, ce qui est déjà positif en soi.

Gros changement de plateau pour l’entrée en scène d’Avatar. En effet, malgré les dimensions assez modestes de la scène, nous assistons à un véritable show théâtralisé à souhait et magistralement orchestré par Johannes Michael Gustaf Eckerström, chanteur et leader incontesté du célèbre quintet suédois. Le public en liesse s’enivre des titres joués les uns après les autres sans aucune anicroche. Réglé comme du papier à musique, ce concert d’Avatar est une vraie réussite, digne des plus grands noms du genre, même s’il est vrai que jusqu’ici, le groupe, que j’ai vu auparavant trois fois sur scène, ne m’a encore jamais déçu. Comble de cette joie collective, les éclairages scéniques, de par leur variété, ajoute au gâteau la cerise qui était susceptible de lui manquer. Un grand moment de bonheur !

Pascal Druel

PASCAL DRUEL

Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure Louis Lumière, amoureux d’images et photographe au quotidien, j’explore depuis plus de 30 ans la photographie sous diverses formes (prise de vue, développement et tirage argentique, contrôle qualité, repique, traitement et retouche numérique, graphiste, prise de vue, formateur, photographe indépendant). En outre, je collabore occasionnellement avec Chasseur d’Images (magazine pour lequel j’ai été rédacteur pendant une douzaine d’années), signe des ouvrages (publiés aux Editions Eyrolles), réalise de multiples prestations photographiques (books, reportages, mariages) et couvre en images de nombreux festivals et concerts (150 à 200 scènes par an).

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C’est autour de 19 heures que j’entre dans le Centre Culturel John Lennon de Limoges. Comme toujours j’y suis accueilli de manière fort sympathique. Après quelques mots échangés avec l’équipe organisatrice et sa petite horde de bénévoles, me voilà donc en front de scène, dans l’attente du début de cette soirée de concerts qui s’annonce fort belle. Quatre groupes sont ainsi à l’honneur : Dark Mirror Ov Tragedy (Corée du Sud), Nest Of Plagues (Hongrie), W.E.B. (Grèce) et Fleshgod Apocalypse (Italie).

C’est aux sud-coréens de Dark Mirror Ov Tragedy que revient la lourde responsabilité d’entrer les premiers sur scène. Savamment maquillés en noir et blanc et vêtus de costumes noirs mêlant inspirations « black metal » et « steampunk », les musiciens annoncent clairement la couleur. Les premières notes pulvérisent les éventuels doutes des plus sceptiques : nous sommes bien en présence d’un groupe de black metal dont les mélodies, influencées par diverses mouvances allant du gothique au symphonique, font, d’entrée de jeu, mouche auprès du public. Je ne connaissais le groupe que de nom et j’ai été ravi de les découvrir sur scène. Une vraie belle surprise ! Le concert terminé, je m’offre une pause au bar avant de rejoindre le pit pour couvrir Nest Of Plagues. Les hongrois qui officient dans un registre qui alterne entre deathcore et metalcore, trouvent également leur public. Outre le bon « capital sympathie » qu’ils dégagent, les musiciens, menés par leur chanteur et bassiste Dàniels Ivanics, jouent bien. Ils assènent à grands de riffs ravageurs catalysés par la basse lourde leurs compositions sans temps mort. Ce fut donc une belle prestation.

Alors que les deux premiers sets ne sont pas encore pleinement digérés, nous continuons la soirée via W.E.B. (alias Where Everything Begun). Nos joyeux drilles costumés et grimés jouent un metal symphonique extrême ponctué de touches gothiques d’excellente augure. Leurs compositions et leur dynamisme sur scène touche la très grande majorité du public. C’est du bon, du lourd, qui, par certains passages, rappelle quelque peu Septic Flesh, autre groupe emblématique de la scène metal grecque.

Quant à Fleshgod Apocalypse, assurément la tête d’affiche de la soirée, que dire sinon que le groupe a clairement fait honneur à sa réputation qui ne cesse de grandir. Le son, énorme, restitue parfaitement les compositions, richement composées et mélodiques, preuve s’il en est besoin qu’au fil des ans, Fleshgod Apocalypse a su acquérir la maturité nécessaire à tout groupe qui souhaite perdurer. C’est désormais l’un des grands noms du death metal symphonique. La conclusion est sans appel : cette soirée de concerts proposant une programmation variée et de qualité fut une vraie réussite.

Pascal Druel

PASCAL DRUEL

Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure Louis Lumière, amoureux d’images et photographe au quotidien, j’explore depuis plus de 30 ans la photographie sous diverses formes (prise de vue, développement et tirage argentique, contrôle qualité, repique, traitement et retouche numérique, graphiste, prise de vue, formateur, photographe indépendant). En outre, je collabore occasionnellement avec Chasseur d’Images (magazine pour lequel j’ai été rédacteur pendant une douzaine d’années), signe des ouvrages (publiés aux Editions Eyrolles), réalise de multiples prestations photographiques (books, reportages, mariages) et couvre en images de nombreux festivals et concerts (150 à 200 scènes par an).

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LILI REFRAIN

En démarrage, c’est l’italienne Lili Refrain qui nous à embarqué dans son univers tribal. Seule, maquillage tribal rouge, vêtements noirs accordés à ses longs cheveux noirs, équipée d’une guitare électrique, de quelques percussions et d’une loop station qu’elle maitrise avec brio. Elle nous entraine dans un univers folk païen et psychédélique pendant une trentaine de minutes. Le show n’est pas spectaculaire, on la voit sur scène plutôt comme une DJ expérimentée, mais l’usage de la loop station lui permet d’être totalement indépendante et de vivre son univers exactement comme elle l’imagine. D’après son message de remerciement à la fin de son concert, c’est la première fois qu’elle joue à Paris. On lui souhaite d’avoir l’occasion d’y revenir partager son talent.

EIVØR

Vient ensuite un autre groupe qui était très attendu d’une partie du public. D’ailleurs le merchandising était bien fourni en produits de ce groupe : Eivør. Ce nom ne m’était pas inconnu. En effet, les fans de la série « The Last Kingdom » ou les joueurs de « God of War » ont déjà pu profiter de l’univers vocal et musical de la belle blonde qui nous vient des Îles Féroé. Plutôt statique sur scène, elle alterne régulièrement son accompagnement entre tambour chamanique nordique et guitare électrique. Elle chante de sa belle voix claire en féroïen, anglais, danois, islandais et autres langues scandinaves. Elle à la particularité d’afficher des expressions marquées, presque caricaturales, lors de ces interprétations rendant sont chant plus vivant. Cette ajout de vie s’exprime également par un choix vestimentaire particulier : pantalon en cuir, haut en jersey surmonté d’empiècements épaules et poitrine en cuir faisant penser à un plastron guerrier à la sauce moderne. Par dessus le pantalon, une jupe d’organza (voile translucide aux reflets électriques) qui prend la couleur des lumières, donnant à la chanteuse un aspect iridescent en cohérence avec l’univers mystique de la chanteuse. Son concert est un peu plus long que la première partie mais le plaisir est là, surtout lorsqu’elle annonce qu’elle va chanter quelques chansons qu’elle a produites pour la série «  The Last Kingdom » que j’ai vraiment adoré.

Le concert terminé, elle remercie la salle avec son très joli accent scandinave. Le public est ravi puis un entracte de 20 minutes est annoncé pour la mise en place du concert de Heilung.

ENTRACTE

Les 20 minutes paraissent interminables pour les quelques 2000 personnes qui sont venues voir le groupe. La buvette est submergée mais efficace, et quelques essais de réglages lumière/son créent de fausses joies au public impatient. Mais tout vient à point à qui sait attendre. Pour ma part j’ai profité de cette relâche du public pour me rapprocher un peu de la scène mais pas assez à mon gout. Heureusement, je suis équipé d’un objectif Tamron 70-200 f/2.8 monté sur un Canon EOS R qui assure une montée exploitable dans les sensibilités extrêmes. C’est un avantage intéressant des boîtiers hybrides.

HEILUNG

Avant de commencer l’article, pardonnez-moi de ne pas vous détailler les intentions du groupe par rapport à leur parcours ou leur sorti d’album ou autre. En effet, même si je connaissais de nom, je n’ai jamais été très attiré par les registres pagan folk. Je les ai découvert vraiment au Hellfest 2022. Les voir dans un univers scénique m’a permis de mieux comprendre leur démarche même si cette fois-là, je n’ai pas assisté à tout le concert car il me fallait « ingurgiter » ce registre si loin de mon univers. La digestion se passe, tout ça tout ça, et je me surprends à écouter Heilung sur Spotify avec beaucoup d’intérêt et de plaisir. C’est à ce moment là que j’ai acheté ma place pour le concert à l’Olympia. Aparté fini.

Le concert ne commence pas tout de suite. Kai Uwe Faust pratique un rite druidique de purification des lieux, brulant un petit fagot de sauge blanche (peut-être estime-t-il qu’il n’y a pas assez de fumigène ?) et psalmodiant quelques incantations. Il souffle la fumée sur toute la surface de la scène ainsi qu’en direction du public qui reste dans un silence solennel. Quoi qu’on peut entendre s’exprimer de façon grossière et irrespectueuse un membre du public qui ne semble pas au courant de la scénographie. Puis les autres membres : Maria Franz, Christopher Juul, les 3 choristes et les nombreux guerriers danseurs (qui comprennent également des guerrières danseuses), tous ont droit à leur fumigation purificatrice avant que ne commence le concert. Une mise en scène très valorisée par l’usage de costumes ethniques, lances de guerre, maquillages tribaux, instruments et « accessoires déco » étonnants, lumières d’ambiances choisies, etc.

Dans ce spectacle, puisqu’il s’agit d’un véritable spectacle plus que d’un simple concert, les lumières et les chorégraphies ont autant d’importance que la partie musicale. En effet, pour celles et ceux qui ne connaissent pas, les costumes de Maria Franz et de Kai Uwe Faust sont inspirés des tenues des tribus arctiques eurasiennes, avec des bois de cerf sur la tête. Les choristes portent des robes qui sont des reproductions de vêtements de l’ère viking. Quant aux guerriers, toutes et tous torse nu portent des braies de l’ère viking, des maquillages guerriers sur tout le corps, des boucliers et des lances. Les lumières changent tout au long du set selon un code couleur défini pour correspondre à la mise en scène : l’atmosphère générale est à base de gris-vert, les scènes de sacrifice ou de guerre sur une ambiance rouge, la colère guerrière usera d’un jeu stroboscopique, les passages rituels seront marqués par l’absence de spots colorés ou alors par des éclairs violents de flashs qui viendront découper dans la brume les silhouettes des artistes. On aura bien entendu toute une chorégraphie de différentes couleurs pour augmenter l’impact visuel du show.

De nombreuses scènes du spectacles sont dignes d’un montage de générique de série épique, mais en direct, sans aucun montage, et cela grâce au génie de la mise en scène et de la technique lumière qui est orchestrée avec intelligence. Un show de Heilung tient plus d’une comédie musicale que d’un concert avec une bonne mise en scène. Chaque élément visuel et sonore, jusqu’au plus petit détail, est placé pour une raison précise.

Parlons maintenant des éléments sonores, puisqu’il s’agit tout de même d’un concert. Heilung c’est un peu de l’archéologie musicale. En effet nous sommes en présence d’un groupe qui a fait de nombreuses recherches pour proposer son registre. Tout d’abord ses membres chantent des poèmes, des incantations ou des chants de guerre en vieux norois, germanique ancien, latin, etc… Leurs instruments sont rudimentaires avec pour seul élément sophistiqué une platine électronique pour une base d’ambiance. Pour le reste les instruments sont aussi variés que surprenants et basiques : un ravanhatta, des tambours en peau de cerf, des sifflets, des clochettes tibétaines, des hochets en corne de buffle ou en terre contenant des cendres humaines, des percussions en os de cerf ou d’avant-bras humain, etc. Le chant de Maria Franz est clair et vibrant tandis que Kai Uwe Faust chante en diphonique et Christopher Juul chuchote. Ce mélange étrange donne une texture envoûtante à la dimension mystique offerte par les membres du groupe Heilung. Le concert est long, mais pas assez à mon goût. En tant que grand fan de tout ce qui est épique ou mystique, j’ai été happé par l’univers Heilung vers lequel je suis pourtant allé à reculons au départ. La foule est en effervescence tout au long du concert. Pas de pogo mais plutôt une communion avec le groupe qui partage, à l’intention du public, une belle histoire et des rituels purificateurs. On peut considérer d’ailleurs que le public fait partie intégrante de la mise en scène puisqu’il est là, absorbé, comme hypnotisé par toute la mise en scène. Il vibre et frappe du pied comme une marche martiale quand la cérémonie le réclame. Bref, à qui aime ou ne connaît pas Heilung, si vous n’avez jamais eu l’opportunité de les voir sur scène, dites-vous que vous devez absolument y remédier au moins une fois dans votre vie. Heilung nous propose un concert qui n’a rien à voir avec les autres, un spectacle auquel vous participez inconsciemment (sauf si vous êtes épileptique, car l’usage de la lumière stroboscopique est fréquent et puissant). Mais gardez en mémoire que chaque concert d’Heilung auquel vous n’assistez pas est un regret que vous ignorez pour le moment.

Colin Du Mont

Colin Du Mont

Colin Du Mont est un pseudonyme pour Jérémy Beaufrère, photographe autodidacte breton. J’ai commencé mes études dans la mode, par un BEP Couture Floue, agrémenté de diverses formations complémentaires : chapelier-modiste au GRETA de la mode, habilleur-costumier dans les métiers du spectacle, stylisme… Je ne considérais alors mes créations achevées qu’une fois portées et mises en scène. C’est durant cette période que mon attirance pour l’image, latente depuis mon enfance, s’est confirmée au point de devenir une passion. C’est pourquoi je me suis formé à la photographie avec acharnement, en commençant par les bases de l’argentique pour apprendre à réfléchir à l’image, et non à déclencher en rafale et voir ainsi ce que la chance aurait alors attiré dans ses filets. Désormais photographe à mon compte, je me suis spécialisé dans les paysages nocturnes, la photographie de concert et les reportages. Côté musique, j’écoute vraiment de tout avec une grande préférence pour le metal épique et symphonique.

colindumont.com

Dès les premières notes jouées, Horskh nous plonge dans son univers musical mélant EBM (Electronic Body Music), metal et indus qui chauffe à blanc le public. La musique du trio originaire de Besançon, portée par le son puissant de la batterie acoustique centralisée sur la scène, servie par un jeu de scène chorégraphié avec la précision d’un micromètre, est catalysée par des éclairages scéniques aussi intéressants que difficilement exploitables en photographie. Au fil des titres assénés sans aucune anicroche, Horskh réussit le tour de force de toujours maintenir l’osmose qui le lie au public totalement conquis : une ambiance qui réchauffe les coeurs des spectateurs massivement agglutinés contre la scène.

C’est donc sous les meilleurs auspices qu’Igorrr monte à son tour sur scène en seconde partie de soirée, ayant toutefois la lourde tâche de maintenir la pression pour que le soufflet savamment préparé par les bisontins ne retombe pas ! Un défi que relève avec brio l’ovni musical baroque de la scène française créé par le compositeur Gautier Serre, accompagné du batteur Sylvain Bouvier. Certes, depuis la dernière fois que j’ai eu le plaisir de couvrir Igorrr en concert, le line-up a changé – notamment depuis le départ de la chanteuse Laure Le Prunelec et du chanteur Laurent Lunoir, respectivement remplacés par la soprano grecque Aphrodite Patoulidou et par Jean-Baptiste Le Bail (qui officiait déjà dans Svart Crown) – et s’est octroyé les services de l’excellent guitariste Martyn Clément, mais force est d’admettre que la nouvelle équipe fait preuve d’une redoutable efficacité ! Le duo de vocalistes fonctionne à merveille via son jeu théâtralisé et basé sur l’efficace principe des « oppositions » : le dynamisme scénique et la magnifique voix d’Aphrodite contrastent bien avec la ténébreuse puissance gutturale et l’attitude monolithique, voire « granitique », de Jean-Baptiste. Le quintet, dirigé de main de maître par le « chef d’orchestre » Gautier enflamme la salle durant tout le set qui mêle habilement titres anciens et nouvelles compositions. Bilan des courses : une excellente soirée qui sonne comme une catharsis contre la morosité ambiante et l’attitude alarmiste qui anémient les foules.

Pascal Druel

PASCAL DRUEL

Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure Louis Lumière, amoureux d’images et photographe au quotidien, j’explore depuis plus de 30 ans la photographie sous diverses formes (prise de vue, développement et tirage argentique, contrôle qualité, repique, traitement et retouche numérique, graphiste, prise de vue, formateur, photographe indépendant). En outre, je collabore occasionnellement avec Chasseur d’Images (magazine pour lequel j’ai été rédacteur pendant une douzaine d’années), signe des ouvrages (publiés aux Editions Eyrolles), réalise de multiples prestations photographiques (books, reportages, mariages) et couvre en images de nombreux festivals et concerts (150 à 200 scènes par an).

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C’est peu après 19 heures que Shaxul (batterie, chant), Ogma (guitare) et Xzvrey (basse, chant additionnel) , les trois « satanistes » qui officient dans Manzer, entrent en scène. D’emblée, le trio infernal irradie le public avec lequel il échange à de nombreuses reprises. Son black metal « old school », clairement influencé par Venom bien que ses titres soient à mon sens mieux composés et plus carrés que ceux du « maître », fait mouche. Les musiciens, possédés, débordent d’une énergie aussi puissante que communicative. Ils enchaînent les titres sans temps mort et ne laissent aucune place à l’ennui. Entre deux morceaux, Shaxul, dont la batterie placée au devant de la scène rappelle la configuration adoptée par Kadavar, ventilateur compris, en profite également pour annoncer la sortie prochaine du troisième album intitulé Impious Invocation of Ebalus. Un nom qui, dès lors que l’on sait qu’Ebalus (870-935), alias Eble Manzer, ou plus simplement Manser, fut comte de Poitiers et duc d’Aquitaine, revendique fièrement les origines pictaviennes du groupe. Indépendamment de cette parenthèse, je garde le souvenir d’un concert diablement efficace !

Une brève pause, histoire de déguster une bonne bière, et je retourne dans l’étroit pit, juste avant le début du concert d’Overstrange Mood. Composé de Zodd Mood (guitare, chant), Marco Segui (basse), Tom Blaineau (guitare) et Quentin Lefèvre (batterie), le quatuor nous entraîne dans un rock progressif qui multiplie les genres, du metal progressif au post-rock, s’octroyant même quelques incursions dans le sludge, mêlant ainsi des mélodies calmes, parfois lancinantes, voire même vaporeuses et planantes, à des riffs sauvages et incisifs, le tout galvanisé par un chant ravageur à la signature très « rock ». Au final, il est clair qu’après plusieurs changements de line up, le combo actuel d’Overstrange Mood fait preuve d’une excellente maturité musicale. Une belle prestation !

En clôture de soirée, après un trio et un quatuor, c’est au tour du quintet Inhepsie de se produire sur scène. Les cinq musiciens, à savoir Cathy (chant, clavier), Jean (guitare rythmique), Pierre (guitare solo), Daniella (basse) et Dany (batterie), entrent en terrain conquis, ainsi que le précise la chanteuse qui reconnaît dans la salle de nombreux « habitués ». C’est donc dans une ambiance chaleureuse, presque intimiste malgré la foule bien présente, que le groupe nous distille son metal atmosphérique, dont l’une des signatures est d’intégrer des textes écrits en français et sous forme de poèmes ou règne un délicieux onirisme : l’heure est à l’apaisement et à la quiétude, pour un final tout en douceur, savamment ponctué de solo de guitares incisifs et précis. C’est la deuxième fois que j’assiste à un concert d’Inhepsie, et j’espère bien que celle-ci ne sera pas la dernière. Au final, j’ai grandement apprécié cette fin de journée passée dans le beau Théâtre Charles Trenet.

Pascal Druel

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Diplômé de l’Ecole Nationale Supérieure Louis Lumière, amoureux d’images et photographe au quotidien, j’explore depuis plus de 30 ans la photographie sous diverses formes (prise de vue, développement et tirage argentique, contrôle qualité, repique, traitement et retouche numérique, graphiste, prise de vue, formateur, photographe indépendant). En outre, je collabore occasionnellement avec Chasseur d’Images (magazine pour lequel j’ai été rédacteur pendant une douzaine d’années), signe des ouvrages (publiés aux Editions Eyrolles), réalise de multiples prestations photographiques (books, reportages, mariages) et couvre en images de nombreux festivals et concerts (150 à 200 scènes par an).

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